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아프리카 그림. 아프리카 회화의 예술. 서양 건축에 대한 영향

현대 독일 예술가에 따르면 사빈 바르베(Sabine Barber), 그녀의 작품에 대한 영감은 사람이든 자연이든 무엇이든 될 수 있습니다. 그녀의 뛰어난 재능과 자유로운 상상력 덕분에 그녀는 삶이 본격화되는 정말 아름다운 그림을 만듭니다. 민족 초상화뿐만 아니라 야생 자연의 다채로운 풍경을 묘사하는 남아프리카 전용 작품의 훌륭한 선택이 이를 확인하는 데 도움이 될 것입니다.












사비나는 어릴 때부터 그림을 그려왔지만 두 아이의 엄마가 된 후에야 그림에 진지하게 관심을 가지게 되었고 유화와 파스텔을 선호하게 되었습니다. 작가에 따르면 파스텔은 그녀에게 특유의 자유로움과 자발성을 부여해 그녀의 작품을 정말 부드럽고 깊이 있게 만든다고 한다. 그리고 이 그림들이 보는 사람에게 지울 수 없는 인상을 주고 차분하고 조화롭고 평온한 느낌을 준다는 것은 전혀 놀라운 일이 아닙니다. 왜냐하면 그 그림에는 관심을 끌고 미소를 짓게 하며 누구도 무관심하게 만들지 않는 특별한 무언가가 있기 때문입니다...







고전 아프리카 회화는 항상 예술가와 많은 관객 모두의 관심을 끌었던 고전 유럽 회화와 많은 차이점을 가지고 있습니다.

이전에는 아프리카의 이 회화 예술이 원시적인 것으로 간주되었지만 그럼에도 불구하고 항상 인기가 있었습니다. 아프리카 스타일은 많은 현대 회화 스타일에 영향을 미쳤습니다.

아프리카 그림은 무엇보다도 이 대륙의 밝고 풍부한 색상입니다. 빨간색, 주황색, 노란색, 갈색, 황토색의 모든 색조는 햇볕이 잘 드는 사막, 지구의 사바나의 색상입니다. 그리고 대조적으로 밝은 녹색은 정글과 다양한 열대 식물의 색입니다.

아프리카 회화의 특징은 실질적인 원근감 부족, 색조가 적은 단색 배경, 다양한 장식품과 표지판이 있다는 것입니다. 그림의 줄거리와 영혼의 세계 사이에는 종종 연관성이 있습니다.

작가들의 작품에는 신비주의와 생명력, 표현력이 많이 담겨있습니다. 기본적으로 플롯은 사람들의 일상생활의 일상적인 장면이나 아프리카의 야생동물을 그들에게 친숙한 풍경으로 묘사합니다.

아프리카 회화 중 가장 오래된 예술

일반적으로 아프리카 회화의 모든 예술은 매우 다양하며 대륙 각지의 작가들의 작품은 서로 매우 다릅니다. 일반적으로 지역에 따라 다양한 트렌드와 스타일이 있습니다. 그 수가 엄청나게 많아서 한 번에 모두 설명하는 것은 불가능합니다. 우리는 웹 사이트에서 점차적으로 그들에 대해 알게 될 것입니다.

아프리카 회화의 기원에는 몇 가지 주요 영역이 있습니다. 우선, 이것은 기니, 니제르 강 유역, 앙골라 및 콩고와 같은 서 아프리카의 영토입니다. 가장 오래된 아프리카 문명이 이곳에서 형성되었으며, 다른 세계와는 상당히 고립되어 있기 때문에 고유한 고유한 특징을 가지고 있습니다.

동양 전통의 회화 예술에는 아랍 이슬람의 영향이 각인되어 있습니다. 왜냐하면 이 지역의 주민들은 항상 서로 적극적으로 소통해 왔기 때문입니다. 수단, 가나, 말리 주민들은 북아프리카 및 이집트와 활발히 무역을 했으며, 따라서 이곳의 지역 예술은 고유한 특징을 가지고 있습니다.

문화적 전통을 지닌 인도양의 아프리카 해안은 이란, 인도 및 기타 이슬람 세계의 예술과 밀접하게 연결되어 있습니다.

반대로 고대 Abyssinia의 회화 예술은 다른 수많은 예술과 거의 혼합되지 않았으며 특별하고 매우 눈에 띄는 스타일로 구별됩니다. 이 지역에서는 고대 정교회의 그림과 고대 사본의 삽화에 뿌리를 둔 성서적 이미지가 인기가 있습니다.

이와 별도로 고대 요루바 문명의 전통, 짐바브웨 지역 문화, 그리고 고대 남아프리카 주민들의 회화 예술을 강조할 수 있습니다.

모듈화 그림은 고유한 아름다움과 고유한 우아함, 독특함을 지닌 여러 부분으로 나누어진 구성입니다. 그들은 인테리어에 멋진 추가 기능을 제공하고 모든 디자인 솔루션에 우아한 추가 기능을 제공합니다. 덕분에 벽은 방의 스타일 화를 유리하게 강조하면서 흉내낼 수없는 성격을 갖게 될 것입니다.

자유로운 아프리카 스타일

우리에게서 아프리카의 모듈식 그림을 구입하세요. 그 모습은 인간이 아니라 자연과 동물이 소유자이자 주인인 문명이 포용하지 않는 뜨거운 공간으로 여러분을 안내하는 모습입니다. 진정한 감정가들을 위한 "섹시한 아프리카" 그림도 전시되어 있습니다. 온라인 상점 카탈로그에는 아프리카를 주제로 한 다양한 모듈식 그림이 있습니다.

모듈식 구성의 특이한 특성으로 인해 거실이나 침실의 내부에 적합하며 벽에 잘 어울리고 시선을 끌고 일상 생활에 다른 대륙의 밝은 방울을 추가합니다.

가격 범위

그림 카탈로그를 보거나 구매하여 주문할 수 있습니다. 온라인 상점의 모듈 식 구성은 제조업체에서 제공하며 대량 주문하면 저렴하게 구입할 수 있으므로 집 전체 내부가 변형됩니다.
그림의 가격은 모듈 수와 사용된 재료에 따라 다르지만 가격이 적당하고 경제적으로나 미학적으로 유리할 것입니다.

동양의 미묘함

동양의 정신과 순수함, 지혜가 담긴 이미지를 제공하게 된 것을 기쁘게 생각합니다. 품질에 대해 별도로 말하면 내구성이 뛰어난 소재와 이미지의 선명도를 강조할 가치가 있습니다. 이는 멀리서 씻겨 나가지 않지만 방에 동부 국가의 미묘한 느낌을 줄 것입니다.

모듈(캔버스)의 수가 가장 많으며 그 수는 3~5개이므로 그림을 단일 캔버스로 배치하는 것이 아니라 각 부분을 동일한 거리로 분리하는 것이 가능하며 이는 특이한 디자인이 됩니다. 솔루션은 시선을 끌 뿐만 아니라 기하학적 구조와 실행력으로 놀라움을 선사할 것입니다.

온라인 상점에서 모듈화 그림을 구매하면 다음과 같은 장점이 있습니다.

  • 고품질;
  • 가격 지표가 낮고 대량 구매 시 가격이 훨씬 더 낮아집니다.
  • 그림으로 장식된 다양한 구성;
  • 캔버스 수가 다릅니다.
  • 주문 구매 가능성;
  • 제안된 그림의 카탈로그.

모듈화 그림은 주택 내부에 확고하게 자리 잡았습니다. 그리고 그들 각각은 엄청난 재산을 쓸 필요가 없는 예술 작품이기 때문에 이것은 놀라운 일이 아닙니다. 모든 종류의 구성 덕분에 당신을 매료시키고 즐겁게 해줄 풍경이나 기타 이미지를 선택할 수 있습니다.

19세기까지는 원시적인 것으로 여겨졌지만 이상하게도 유럽 미술에 큰 영향을 미쳤습니다. 다양한 아방가르드 운동에서는 특이한 형태가 채택되었습니다. 이는 20세기 초에 특히 두드러졌습니다. 그 이후로 아프리카 회화는 특별한 관심을 요하는 진지한 예술로 여겨지게 되었습니다.

아프리카 스타일은 형태 자체와 그에 수반되는 상징 모두에 구현된 강력한 표현과 에너지로 구별됩니다. 또 다른 필수 속성은 영혼과 신의 세계와 신성한 관계를 맺고 있는 아프리카 거장들의 작품에 존재한다는 것입니다. 놀랍게도 아프리카 예술가들의 그림에 널리 퍼져 있는 색상은 이 대륙의 풍경 색상을 매우 정확하게 반영합니다. 밝고 녹색은 정글과 같고 노란색은 사막과 사바나와 같고 빨간색은 뜨겁고 뜨거운 태양과 같습니다. 또한 아프리카 회화의 특징적인 색상은 엷은 황갈색에서 거의 빨간색에 이르는 다양한 갈색 음영입니다. 이러한 색상 조합이 암벽화에서 나온 것인지 아니면 나중에 현지 장인이 발명한 것인지는 알려져 있지 않습니다. 이 주제에 관해 많은 책과 과학 기사가 저술되었지만 누구도 이 대륙의 독특한 그림의 비밀을 알아낸 적이 없습니다.

아프리카, 특히 남아프리카공화국은 오랫동안 유럽인들의 손길이 닿지 않은 채 남아 있었습니다. 지역 부족들은 나머지 사람들과 소통하지 않고 자신만의 세계에서 살았습니다. 이것이 바로 그들의 예술이 우리가 익숙했던 예술과 너무 다른 이유입니다. 그것은 가장 예측할 수 없는 방식으로 발전했고 그 결과 너무 고립되고 독특해져서 첫 번째 시청자는 그것이 매우 아름답고 전문적으로 이루어졌다는 사실조차 이해할 수 없었습니다. 추위와 눈이 ​​내리지 않는 대륙 주민들의 표준적인 형태, 전통적인 모티프, 삶과 일상 생활, 걱정과 걱정, 믿음, 두려움과 열망이 그들의 그림과 그림에 반영되어 가져온 사람들이 이해할 수 없습니다. 완전히 다른 생각과 가치관의 영향을 받아요. 우리의 먼 조상들이 그러한 그림을 완전히 이해하고 그것에 젖어 있었다면 현대인이 이것을 하는 것은 점점 더 어려워지고 있습니다.

그것은 무엇입니까? 아프리카 회화!? 몇 단어로 이야기하려고 하면 다음과 같습니다. 여러 가지 음영이 있는 단색 배경; 작품의 주요 모티브는 거의 전체 공간을 차지합니다. 관점 부족; 장식품 및 특정 표시의 존재; 그림 자체는 넓고 광범위한 획이나 선으로 만들어집니다. 그로테스크한 ​​형태; 역학. 외부에서만 원시적으로 보입니다. 과거와 우리 시대의 많은 아방가르드 예술가들은 여기에서 특별한 천재성을 발견합니다. 입체파, 원시주의 및 기타 다른 형태의 현대 회화는 아프리카 예술 덕분에 만들어졌습니다.

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아프리카 예술 - 개별 민족의 국가와 문화에 대한 개요

아프리카 예술

아프리카 예술(African art)은 사하라 이남 아프리카 지역의 예술에 일반적으로 적용되는 용어이다. 흔히 무심코 관찰하는 사람들은 "전통적인" 아프리카 예술에 대해 일반화하는 경향이 있지만, 대륙은 고유한 시각적 문화를 지닌 사람, 공동체, 문명으로 가득 차 있습니다. 이 정의에는 아프리카계 미국인 예술과 같은 아프리카 디아스포라 예술도 포함될 수 있습니다. 이러한 다양성에도 불구하고 아프리카 대륙의 시각 문화 전체를 고려하면 몇 가지 통일된 예술적 주제가 있습니다. 인테리어에 아프리카 스타일을 적용하는 것은 아주 쉽습니다. 다음은 아프리카 가면과 인형의 몇 가지 중요한 특징이며, 그 유사품은 Afroart 갤러리에서 구입할 수 있습니다.



"아프리카 예술"이라는 용어에는 일반적으로 지중해 연안을 따라 있는 북아프리카 지역의 예술이 포함되지 않습니다. 왜냐하면 이 지역은 오랫동안 다른 전통의 일부였기 때문입니다. 천년 이상 동안 이 분야의 예술은 비록 많은 특별한 특징을 가지고 있음에도 불구하고 이슬람 예술의 필수적인 부분이었습니다. 오랜 기독교 전통을 지닌 에티오피아의 예술은 상대적으로 최근까지 전통적인 아프리카 종교(북부에서는 이슬람교가 흔함)가 지배했던 대부분의 아프리카 국가들과도 다릅니다.

역사적으로 아프리카 조각품은 대부분 나무와 기타 천연 재료로 만들어졌는데, 이는 기껏해야 몇 세기 전보다 더 초기에는 살아남지 못했습니다. 오래된 도자기 인형은 여러 지역에서 발견됩니다. 가면은 종종 매우 양식화된 인물과 함께 많은 사람들의 예술에서 중요한 요소입니다. 개체가 사용된 방식에 따라 동일한 원산지 조건 내에서 종종 다양한 스타일이 있지만 광범위한 지역적 유사성은 분명합니다. 이 조각품은 서아프리카 니제르 강과 콩고 강 유역의 정착 농민 그룹에서 가장 흔하게 볼 수 있습니다. 신을 직접 조각한 경우는 상대적으로 드물지만, 특히 종교 의식(의식)을 위해 가면을 만드는 경우가 많습니다. 아프리카 가면은 자연주의가 부족하여 영감을 받은 유럽의 모더니즘 예술에 영향을 미쳤습니다. 19세기 후반부터 서양 컬렉션에 아프리카 예술 작품의 수가 증가했으며, 그 중 최고 작품은 현재 유명한 박물관과 갤러리에 전시되어 있습니다.



서아프리카 문화는 나중에 궁전을 장식하기 위해 부조 조각품과 유명한 베냉 청동과 같은 자연주의적인 통치자의 머리를 만드는 데 사용된 청동 주물을 개발했습니다. 금 모양 추는 1400-1900년에 제작된 일종의 작은 금속 조각품입니다. 일부는 속담을 묘사하는 것으로 보이며 아프리카 조각에서는 보기 드문 서사적 요소를 도입합니다. 왕실 예복에는 인상적인 금 조각 요소가 포함되어 있습니다. 많은 서아프리카 조각상은 종교 의식에 사용되며 종종 의식 희생에 필요한 세부 사항을 담고 있습니다. 같은 지역의 만데어를 사용하는 사람들은 넓고 평평한 표면과 원통형 팔과 다리를 가진 나무로 물건을 만듭니다. 그러나 중앙 아프리카의 주요 특징은 안쪽으로 구부러진 하트 모양의 얼굴이며 원과 점의 패턴이 있습니다.


조각을 위한 목재가 풍부하지 않은 동아프리카는 Tinga-Tinga 그림과 Makonde 조각품으로 유명합니다. 직물 예술 생산의 전통도 있습니다. 대짐바브웨 문화는 조각품보다 더 인상적인 건물을 남겼지만, 여덟 마리의 짐바브웨 동석 새는 특히 중요한 의미를 지닌 것으로 보이며 아마도 기둥 위에 올려져 있었을 것입니다. 현대 짐바브웨 동석 조각가들은 국제 무대에서 상당한 성공을 거두었습니다. 남아프리카에서 가장 오래된 것으로 알려진 점토 인형은 서기 400년에서 600년 사이에 만들어졌습니다. 즉, 그들은 인간과 동물의 특징이 혼합된 원통형 머리를 가지고 있습니다.

아프리카 미술의 기본 요소

예술적 창의성 또는 표현적 개인주의: 특히 서아프리카 미술에서는 표현적 개인주의가 광범위하게 강조되는 동시에 전임자의 작품에 영향을 받습니다. 단(Dan)족의 예술적 창의성과 서아프리카 디아스포라에서의 존재가 그 예입니다.

인간의 모습에 대한 강조: 인간의 모습은 항상 많은 아프리카 예술의 주요 주제였으며 이러한 강조는 일부 유럽 전통에도 영향을 미쳤습니다. 예를 들어, 15세기에 포르투갈은 서아프리카 코트디부아르 근처의 사피족과 교역했는데, 사피족은 주로 인간 형상을 추가하여 아프리카와 유럽 예술의 특징을 결합한 정교한 상아 소금통을 만들었습니다. 일반적으로 포르투갈어 소금통에는 나타나지 않았습니다). 인간의 형상은 산 자와 죽은 자를 상징할 수 있고, 통치자, 무용수, 드러머나 사냥꾼과 같은 다양한 직업의 구성원을 의미할 수도 있고, 심지어 신을 의인화하거나 다른 봉헌 기능을 가질 수도 있습니다. 또 다른 일반적인 주제는 인간과 동물의 잡종입니다.

시각적 추상화: 아프리카 예술은 자연주의적 표현보다 시각적 추상화를 선호하는 경향이 있습니다. 그 이유는 많은 아프리카 작품이 문체적 규범을 일반화하고 있기 때문입니다. 일반적으로 자연주의적으로 묘사한다고 여겨지는 고대 이집트 예술은 특히 회화에서 매우 추상적이고 획일적인 시각적 패턴을 사용하며, 묘사되는 대상의 특성과 특성을 표현하기 위해 다양한 색상을 사용합니다.

조각에 대한 강조: 아프리카 예술가들은 2차원 작품보다 3차원 예술 작품을 선호하는 경향이 있습니다. 많은 아프리카 그림이나 직물도 입체적으로 느껴져야 합니다. 집 그림은 종종 집 주위를 감싸는 연속적인 디자인으로 간주되어 보는 사람이 그것을 최대한 경험하기 위해 걸어 다니도록 강요합니다. 장식된 직물은 장식용 또는 의식용 의류로 착용되어 착용자를 살아있는 조각품으로 만듭니다. 전통적인 서양 조각의 정적인 형태와는 달리, 아프리카 미술은 움직일 준비가 되어 있는 역동성을 묘사합니다.

행동 예술에 대한 강조: 전통적인 아프리카 예술의 공리주의와 3차원성의 확장은 그것의 대부분이 정적인 예술보다는 행동의 맥락에서 사용되도록 만들어졌다는 사실입니다. 예를 들어, 전통적인 아프리카 가면과 의상은 "춤"을 추는 공동 의식 상황에서 매우 자주 사용됩니다. 아프리카의 대부분의 사회에는 가면에 대한 이름이 있지만 이 하나의 이름에는 가면 자체뿐만 아니라 가면의 의미, 가면과 관련된 춤, 가면 안에 깃들어 있는 영혼도 포함됩니다. 아프리카의 사고는 서로를 분리하지 않습니다.

비선형 스케일링: 아프리카 예술 작품의 작은 부분은 Kasai 패턴의 다양한 스케일의 다이아몬드처럼 큰 부분과 유사하게 보이는 경우가 많습니다. 세네갈의 초대 대통령인 루이 셍고르(Louis Senghor)는 이것을 "동적 대칭"이라고 불렀습니다. 영국의 미술사가인 William Fagg는 이를 생물학자 D'Arcy Thompson의 자연 성장에 대한 로그 표현과 비교했습니다. 최근에는 프랙탈 기하학의 관점에서 설명되었습니다.

아프리카 미술의 범위

최근까지 "아프리카"라는 명칭은 일반적으로 사하라 이남 아프리카에 사는 민족인 "검은 아프리카"의 예술에만 적용되었습니다. 일반적으로 북아프리카의 흑인이 아닌 민족, 아프리카 뿔(에티오피아 소말리아) 인구, 고대 이집트 예술은 아프리카 예술의 개념에 포함되지 않았습니다.

그러나 최근에는 아프리카 미술사학자와 학자들 사이에서 이 지역의 시각문화도 본질적으로 아프리카 대륙의 지리적 경계 안에 포함시키려는 움직임이 일어나고 있습니다.

모든 아프리카 민족과 그들의 시각 문화를 아프리카 예술에 포함시킴으로써 일반인들이 대륙의 문화적 다양성에 대해 더 깊은 이해를 얻게 될 것이라는 생각입니다. 전통적인 아프리카, 이슬람 및 지중해 문화가 융합되는 경우가 많았기 때문에 학자들은 무슬림 지역, 고대 이집트, 지중해 및 원주민 흑인 아프리카 사회를 명확하게 구분하는 것이 의미가 없다는 것을 발견했습니다.

마지막으로 브라질, 카리브해, 미국 남동부의 아프리카 디아스포라 예술도 아프리카 예술 연구에 포함되기 시작했습니다. 예술과 외국 영향의 결합은 특히 오랜 발전 역사를 가진 문화에서 가져온 문명의 대륙에 출현하기 전의 기간에 원주민 예술적 장점의 부족을 숨 깁니다.

아프리카 예술 - 재료

아프리카 예술은 다양한 형태를 취하고 다양한 재료로 만들어집니다. 보석은 순위, 그룹 멤버십 또는 순전히 미학을 나타내는 데 사용되는 인기 있는 예술 형식입니다. 아프리카 보석은 호랑이 눈, 적철광, 사이잘삼, 코코넛 껍질, 구슬 및 흑단과 같은 다양한 재료로 만들어집니다. 조각품은 유명한 쇼나 조각품처럼 나무, 세라믹 또는 조각된 돌일 수 있으며, 장식되거나 조각된 도자기는 여러 지역에서 나옵니다. Kitenj, Bogolan 및 Kent 천을 포함한 다양한 형태의 직물이 있습니다. 나비 날개나 색깔 있는 모래로 만든 모자이크는 서아프리카에서 인기가 있습니다.

아프리카 미술의 역사

아프리카 예술의 기원은 기록된 역사보다 오래 전부터 존재합니다. 니제르의 아프리카 사하라 암벽화에는 6,000년 이상 된 이미지가 포함되어 있습니다. 사하라 이남 아프리카와 함께 서양 문화 예술, 고대 이집트 그림과 유물, 남부 원주민 공예품도 아프리카 예술에 큰 공헌을 했습니다. 종종 예술은 풍부한 자연 환경을 묘사하면서 동물, 식물, 자연 패턴과 형태에 대한 추상적인 해석으로 축소되었습니다. 현대 수단에 있는 쿠시(Kush)의 누비아 왕국은 이집트와 긴밀하고 종종 적대적인 접촉을 했으며 주로 북쪽을 선도하지 못하는 스타일에서 파생된 기념비적인 조각품을 생산했습니다. 서아프리카에서 가장 먼저 알려진 조각품은 기원전 500년 사이에 현재 나이지리아에서 번성했던 녹(Nok) 문화에서 나온 것입니다. 이자형. 그리고 서기 500년 이자형. 일반적으로 길쭉한 몸체와 각진 모양의 점토 조각상이 있습니다.

10세기 경 사하라 이남 아프리카에서는 보다 정교한 예술 기술이 개발되었으며, 가장 주목할만한 성과로는 Igbo-Ukwu의 청동 작품과 Ile Ife의 도자기 및 금속 세공품이 있습니다. 종종 상아와 보석으로 장식된 청동 및 구리 주물은 서아프리카 대부분 지역에서 매우 유명해졌으며 때로는 궁정 장인의 작업으로 제한되었으며 베냉 청동과 같은 왕족과 동일시되었습니다.



서양 미술에 끼친 영향

서양인들은 오랫동안 아프리카 예술을 “원시적”이라고 여겨 왔습니다. 이 용어는 저개발과 빈곤에 대한 부정적인 의미를 담고 있습니다. 19세기 아프리카의 식민지화와 노예무역은 아프리카 예술이 낮은 사회경제적 지위로 인해 기술적 역량이 부족하다는 믿음으로 서구의 견해를 확립했습니다.

20세기 초 피카소, 마티스, 빈센트 반 고흐, 폴 고갱, 모딜리아니 등의 예술가들이 아프리카 예술을 접하고 영감을 받았습니다. 확립된 아방가르드가 시각 세계에 대한 서비스에 의해 부과된 제한에 저항했던 상황에서, 아프리카 예술은 시력의 선물뿐만 아니라 무엇보다도 무엇보다도 교수진에 의해 생산된 고도로 조직화된 형태의 힘을 보여주었습니다. 상상력, 감정, 신비롭고 종교적인 경험의 이 예술가들은 아프리카 예술에서 경이로운 표현력과 결합된 형식적 완벽함과 정교함을 보았습니다. 20세기 초 예술가들의 아프리카 미술에 대한 연구와 반응은 추상화, 형태의 조직과 재구성, 그리고 지금까지 서양 미술에서 볼 수 없었던 정서적, 심리적 영역에 대한 탐구에 대한 관심의 폭발적인 증가에 기여했습니다. 이를 통해 미술의 위상이 바뀌었다. 예술은 단순히 미적인 것이 아니라 철학적, 지적인 담론을 위한 진정한 수단이 되었으며, 따라서 그 어느 때보다 더 진실하고 깊은 미학이 되었습니다.

서양 건축에 대한 영향

유럽의 건축은 아프리카 예술의 영향을 많이 받았습니다. Antonio Sant'Elia, Le Corbusier, Pier Luigi Nervi, Theo van Desburg 및 Erich Mendelssohn과 같은 선구자들도 조각가이자 화가였습니다. 미래주의, 합리주의, 표현주의 건축물은 아프리카에서 주요 상징의 새로운 레퍼토리를 발견했습니다. 형식적인 차원에서 공간은 이제 인간의 비율과 규모뿐만 아니라 인간의 심리학과도 관련된 단일한 형태로 구성됩니다. 표면은 기하학적 패턴으로 모델링됩니다. 1950년대 유럽 건축가들은 질감이 있는 프레스코화와 벽의 커다란 부조를 통합하여 불필요한 장식을 대체하고(아돌프 루스가 비판한) 건물을 대규모 조각품으로 변형했습니다. 1960년대 아프리카 예술은 특히 후기 르 코르뷔지에, 오스카 니마이어, 폴 루돌프의 언어와 상징 모두에서 잔혹주의에 영향을 미쳤습니다. John Lautner의 강력한 작품은 Yoruba 유물을 연상시킵니다. Patricio Pouulu의 감각적인 디자인은 Dogon과 Baule의 나무 조각품을 기리는 것입니다. 유럽과 달리 아프리카 예술은 바디 아트, 회화, 조각, 건축 사이에 경계를 설정하지 않았습니다. 덕분에 서양 건축가들은 이제 다양한 예술적 표현으로 영역을 확장할 수 있게 되었습니다.


전통 예술

전통 예술은 일반적으로 박물관 컬렉션에서 볼 수 있는 가장 인기 있고 연구된 아프리카 예술 형태를 설명합니다. 그러한 항목의 도움으로 내부에 아프리카 스타일을 만드는 것이 더 정확합니다. 인간, 동물 또는 신화 속 생물을 묘사한 나무 가면은 서아프리카에서 가장 흔히 볼 수 있는 예술 형식 중 하나입니다. 원래 맥락에서 의식용 가면은 축하, 입문, 수확 및 전쟁 준비에 사용되었습니다. 가면은 선택되거나 입문한 댄서가 착용합니다. 의식이 진행되는 동안 무용수는 깊은 무아지경에 들어가고 이 상태에서 조상들과 “소통”합니다. 마스크는 세 가지 방법으로 착용할 수 있습니다. 수직으로 착용하는 방식, 헬멧처럼 얼굴을 덮는 방식, 머리 전체를 덮는 방식, 위장의 일부로 일반적으로 재료로 덮는 머리 위의 문장으로 착용할 수도 있습니다. 아프리카 가면은 종종 영혼을 상징하며, 조상의 영혼이 그것을 착용하는 사람에게 깃들어 있다고 믿어집니다. 대부분의 아프리카 마스크는 나무로 만들어지며 상아, 동물 털, 식물 섬유(라피아 등), 안료(카올린 등), 돌 및 준보석으로 장식할 수 있습니다.

일반적으로 나무나 상아로 만든 조각상에는 카우리 껍질, 금속 요소 및 스파이크가 박혀 있는 경우가 많습니다. 장식용 의류도 일반적이며 아프리카 예술의 또 다른 중요한 부분을 포함합니다. 가장 복잡한 아프리카 직물 중 하나는 가나의 다채로운 줄무늬 켄트 직물입니다. 복잡한 패턴을 지닌 보고란(Bogolan)은 또 다른 잘 알려진 기술이다.

현대 아프리카 미술

아프리카는 번성하는 현대 시각 예술 문화의 본고장입니다. 안타깝게도 전통 예술에 대한 학자와 수집가의 강조로 인해 최근까지 이에 대한 연구가 제대로 이루어지지 않았습니다. 주목할만한 현대 예술가로는 El Anatsui, Marlene Dumas, William Kentridge, Karel Nal, Kendell Geers, Yinka Shonibare, Zerihun Yetmgeta, Odhiambo Siangla, Elias Jengo, Olu Oguibe, Lubaina Himid 및 Bili Bidjocka, Henry Tayali가 있습니다. 미술 비엔날레는 세네갈의 다카르와 남아프리카의 요하네스버그에서 개최됩니다. 많은 현대 아프리카 예술가들이 박물관 컬렉션에 전시되어 있으며 그들의 작품은 미술 경매에서 높은 가격에 팔릴 수 있습니다. 그럼에도 불구하고 많은 현대 아프리카 예술가들은 자신의 작품을 위한 시장을 찾는 데 어려움을 겪고 있습니다. 많은 현대 아프리카 예술은 전통적인 전임자들로부터 많은 것을 빌려왔습니다. 아이러니하게도 추상화에 대한 이러한 강조는 서양인들에게 유럽과 미국의 입체파 및 토템 예술가인 파블로 피카소(Pablo Picasso), 아마데오 모딜리아니(Amadeo Modigliani), 앙리 마티스(Henri Matisse)와 같은 예술가들의 모방으로 간주됩니다. 그들은 20세기 초에 전통 아프리카 예술의 영향을 많이 받았습니다. 이 시기는 피카소의 획기적인 그림인 Les Demoiselles d'Avignon으로 상징되는 시각 예술에서 서구 모더니즘의 진화에 매우 중요했습니다.

오늘날 Fathi Hasan은 현대 아프리카 흑인 예술의 초기 대표자로 간주됩니다. 현대 아프리카 예술은 Irma Stern, Cyril Fraden, Walter Battiss와 같은 예술가와 요하네스버그의 Goodman Gallery와 같은 갤러리를 통해 남아프리카에서 1950년대와 1960년대에 처음 소개되었습니다. 런던의 October Gallery와 같은 후기 유럽 갤러리와 로마의 Jean Pigozzi, Arthur Walter, Gianni Baiocchi와 같은 수집가들은 이 주제에 대한 관심을 확대하는 데 도움을 주었습니다. 신디카 도콜로(Sindika Dokolo)의 아프리카 현대 미술 컬렉션을 선보인 뉴욕 아프리카 미술 박물관과 2007 베니스 비엔날레 아프리카관의 수많은 전시회는 현대 아프리카 미술을 괴롭히는 많은 신화와 편견에 맞서 싸우는 데 큰 도움이 되었습니다. Documenta 11의 예술 감독으로 나이지리아인 Okwui Enwezor를 임명하고 그의 아프리카 중심 예술 비전은 수많은 아프리카 예술가들의 경력을 국제 무대로 끌어올렸습니다.

소위 "원주민 예술"을 포함하여 다양한 다소 전통적인 형태의 예술 또는 전통적인 스타일을 현대적인 취향에 맞게 적용한 작품이 관광객 및 기타 사람들에게 판매되기 위해 만들어졌습니다. 많은 정력적인 대중 전통은 서아프리카 도시의 비행기, 자동차 또는 동물 모양의 정교한 환상의 관과 클럽 배너와 같이 서구의 영향을 아프리카 스타일에 동화시킵니다.

국가와 사람들

잠비아

세상은 다른 방향을 바라보고 있지만 잠비아에서는 부족한 자금으로 예술이 번창하고 있습니다. 잠비아는 틀림없이 세계에서 가장 창의적이고 재능 있는 예술가들의 본거지입니다. 잠비아 예술가들의 창의성에 대한 열망은 너무나 강해서 무엇이든 사용하려고 합니다. 삼베부터 자동차 페인트까지, 오래된 시트라도 캔버스 대신 미술 재료로 사용되는 경우가 많습니다. 쓰레기와 잔해물은 종종 놀라운 규모의 예술 작품으로 변모합니다. 서양 개념의 잠비아에서 미술의 전통은 식민지 시대로 거슬러 올라가며 그 이후 꾸준히 성장해 왔습니다. 레흐웨 재단(Lechwe Foundation) 덕분에 잠비아 예술품의 대부분은 그것이 제작된 나라에서 본거지로 보장됩니다.

Lechwe 재단은 Cynthia Zukas가 설립했습니다. 예술가인 그녀는 1980년대 초 잠비아의 많은 예술가들과 친구였습니다. William Bwalya Miko는 Zukas가 예술 재료로 가득 찬 여행 가방을 가지고 해외 여행에서 돌아와 그러한 예술품을 접할 수 없는 지역 예술가들에게 선물하는 방법을 다정하게 기억합니다. 도구. 1986년에 그녀는 유산을 받았고 이제 예술가를 보다 실질적인 방식으로 지원해야 할 때라고 판단하여 Lechwe Trust를 설립했습니다. 그들의 목표는 정식으로 공부하거나 미술 워크숍 및 강좌에 참석하기를 원하는 예술가에게 장학금을 제공하는 것이었습니다. 그들은 또한 잠비아에 예술적 유산을 제공하기 위해 수집을 시작하기로 결정했지만 잠비아에 살았거나 잠비아와 관련이 있는 사람들의 작품도 있습니다. 현재 그림에서 조각, 판화, 스케치에 이르기까지 200개가 넘는 예술 작품이 있습니다. 이는 잠비아인들이 자랑스러워해야 할 유산이지만 그 존재를 아는 사람은 거의 없습니다. 아니면 적어도 최근 전시회까지는 그랬다. 잠비아의 예술계 홍보 부족은 예술가들이 해결해야 할 유일한 문제입니다.


레흐베 재단 전시회

"Destination"은 Lechwe 재단 작업의 중요성을 보여주는 빛나는 예입니다. Henry Teyali의 독창적인 그림 Destiny(1975~1980)에서는 진보하는 동안 정체성을 위한 투쟁이 분명하게 드러납니다.


헨리 타얄리(Henry Tayali)의 그림 "운명"

전경에는 수많은 인간 형상이 쇠빔과 삽을 들고 기어 올라가 작업하고 있으며, 그들은 거대하고 증기가 많은 현대 도시에 갇힌 것처럼 보입니다. 도시 자체는 차분한 회색과 갈색으로 칠해져 있지만 군중은 밝은 색상의 옷을 입고 있습니다. 전시회 카탈로그와 지역 잡지 The Lowdown의 기사에 따르면 이 그림은 길고 흥미로운 삶을 살았습니다. 1966년에 이 그림은 당시 남부 로디지아 주지사 험프리 깁스 경의 아들인 팀 깁스에게 팔렸습니다. 1980년에 테얄리는 자신의 그림을 가져오기 위해 현재 독립된 짐바브웨로 여행을 떠났습니다. 그가 거절당한 것은 놀라운 일이 아니지만 전시회를 위해 그림을 빌릴 수 있는 허가를 받았습니다. 데스티니는 런던, 잠비아, 파리를 순회한 후 깁스로 돌아왔습니다. 1989년에 Henry Teyali가 사망했고 "Destiny"는 Lechwe 재단에 의해 런던에서 다시 상영되었습니다. 2년이 걸렸지만 이제 재단은 인상적인 컬렉션의 중심 작품인 이 그림을 소유하게 되었습니다.

잠비아의 예술가들은 비록 독특하지는 않지만 독특한 도전에 직면해 있습니다. 오늘날에도 유성 페인트, 붓, 캔버스와 같은 재료는 여전히 남아프리카에서 수입되어야 하므로 가격이 엄청나게 비쌉니다. 공공 도서관과 주제 저널이 없다는 것은 예술가들이 더 유명한 예술가를 연구할 기회나 더 넓은 국제 공동체에 대한 소속감을 박탈당한다는 것을 의미합니다. 불과 1년 전만 해도 잠비아에서 미술을 공부하고 싶다면 잠비아에는 예술을 만드는 것보다 가르치는 데 도움이 되는 미술 교육 수료증 과정이 단 하나뿐이었습니다.

서로 다른 두 세대의 예술가가 그린 두 장의 그림: 왼쪽의 Henry Teyali(1943-1987)와 살아있는 예술가 Stary Mwaba. 그리고 물론 그들의 작품을 판매하려는 시도도 이루어지고 있습니다. 경제적으로 안정된 국가에서는 소수의 예술가만이 자신의 예술만으로 생계를 꾸릴 수 있지만 잠비아에서는 이러한 사람들이 극소수입니다. 이는 그림을 사려는 충분한 수입을 가진 사람들이 적기 때문일 뿐만 아니라, 기념품 가격인 저렴한 가격에 작품을 사길 기대하는 일부 관광객과 국외 거주자들의 선입견 때문에 발생합니다. 가격은 더 높은 것으로 밝혀졌습니다. 작업 비용이 너무 비싸다는 불만은 논쟁의 여지가 있습니다. 루사카는 임대료와 제품 가격 측면에서 사하라 이남 아프리카에서 가장 비싼 도시 중 하나이며, 위에서 언급했듯이 미술 재료는 특히 비쌉니다. 예술가들은 자신의 작품 가격이 경제 현실을 공정하게 반영한다고 주장하며 일부 예술가는 국제적으로 전시했으며 더 많은 돈을 요구할 권리가 있다고 생각합니다. 낮은 판매 수치는 불행히도 많은 사람들이 이에 동의하지 않음을 나타냅니다. 낮은 판매량은 다른 요인의 결과일 수도 있습니다. 아주 작은 잠비아 예술계를 제외하면 오늘날 예술가들이 얼마나 활동적인지 아는 사람은 거의 없습니다. 국제 예술 잡지를 살펴보면 사하라 이남 아프리카에 대한 보도가 부족하다는 사실이 드러납니다. Chris Ofili와 Yinka Shonibair와 같은 소수의 예술가만이 유럽과 미국에 진출했습니다. 국제적으로 전시한 Zenzele Chulu 및 Stari Mwaba와 같은 많은 현대 잠비아 예술가들은 이것이 예술계가 아프리카 예술을 매우 구체적이고 인종 중심적인 고정관념 내에서 보기를 원하기 때문이라고 믿습니다. 그 결과 아프리카를 주제로 한 전시회에 참가하라는 요청을 받는 경우가 많아 활동이 제한되고 예술가들의 분노를 샀다. Mwaba가 말했듯이 “나는 아프리카 예술가인가, 아니면 아프리카 출신인가?” 그리고 더 중요한 것은 이 질문이 왜 여전히 중요한가 하는 것입니다.

그럼에도 불구하고 루사카에는 수많은 예술가들이 넘쳐나고 있으며, 루사카의 주요 미술 갤러리인 헨리 타얄리 갤러리(Henry Tayali Gallery)는 거의 바닥부터 천장까지 예술 작품으로 가득 차 있습니다. , 그들은 전혀 없다고 말합니다) 갤러리는 활동의 중심지입니다. 왜? 글쎄요, 취업 기회가 제한된 나라에서는 결코 오지 않을 직업을 기다리는 것보다 예술가가 되어 일하는 것이 더 낫습니다. 부모가 집 주변을 돕는 데 종종 소비하는 돈이나 시간이 없는 많은 아이들은 학교에 갈 수 없습니다. 하지만 예술을 통해 읽고 쓰는 능력이 없어도 자신을 표현할 수 있습니다. 예술 커뮤니티는 따뜻하고 친근하며, 자신의 가장 큰 자원은 바로 자기 자신임을 이해하는 사람들로 가득합니다. 새로운 회원을 두 팔 벌려 환영합니다. 시각적 수단을 통해 잠비아를 묘사하고 탐험하려는 자부심과 욕구와 같은 좀 더 추상적이고 아마도 거의 표현되지 않는 동기가 있습니다. 잠비아 예술가들은 그들의 작품을 통해 존엄성과 사회의 좋은 점과 나쁜 점에 대한 이해를 발산합니다. 그들은 질문하고, 조사하고, 때로는 판단합니다. 여기 예술가들은 단순히 예술을 사랑하고 갈망하며, 이는 그들의 자기 인식과 목적 의식에 결정적인 기여를 합니다.

잠비아의 역사는 그들의 업적과 업적이 항상 잘 문서화되어 있지는 않지만 재능과 개성으로 가득 차 있습니다. 아퀼라 심파사(Aquila Simpasa)를 살펴보세요. 한때 심파사는 세계적으로 유명한 예술가였고, 조각과 그림이 그가 가장 좋아하는 매체였지만, 예술이 그에게 너무나 깊이 뿌리박혀서 그는 그림도 그리고 음악도 창작했습니다. 그는 Eddie Grant와 친구였으며 Jimi Hendrix 및 Mick Jagger와 어울렸습니다. 심파사는 주요 발견자였습니다. 불행하게도 그 역시 정신 건강에 문제가 있었고 1980년대에 상대적으로 젊은 나이에 세상을 떠났고 그 이후 사실상 무명에 빠졌습니다. 아직 살아있는 동시대 사람들은 그를 잘 기억합니다. 그의 친구 Simpasa에 대해 논평해 달라는 요청을 받았을 때 예술가 Patrick Mwimba는 다음과 같이 말했습니다. "그는 잠비아 최고의 예술가였습니다." 그에 대한 이야기는 입에서 입으로 전해지는데, 예술가 자신과 그의 삶과 마찬가지로 이 이야기도 제대로 기록되지 않았습니다. William Miko와 Zenzel Chulu는 둘 다 자신이 아직 살아 있다고 믿는 사람들이 있다고 언급했습니다. Elvis처럼 그는 전설이 되었고 이제 Lechwe Trust 덕분에 전설이 그의 작품을 통해 말할 수 있게 되었습니다.

Lechwe Trust가 잠비아 예술가들이 직면한 많은 문제를 해결하는 데 먼 길을 왔다는 사실은 부인할 수 없습니다. 공정한 가격으로 미술품을 구입함으로써 일부 예술가들은 Henry Teyali를 포함한 많은 예술가들처럼 잠비아를 떠나지 않고 잠비아에 머물면서 작업할 수 있습니다. 이 재단은 윌리엄 미코(William Miko)가 예술가로 성장하고 유럽으로 유학하는 데 도움을 주었습니다. 그는 결국 직장으로 돌아와 재단을 도왔습니다. 리치(Lychee)는 잠비아에서 유일한 펀드입니다. 이 나라에는 NGO가 많지만 그들 중 예술계에 관심이 있는 사람은 거의 없습니다. 그러나 “예술과 문화의 발전 없이는 발전이 있을 수 없다”고 William Miko는 말합니다. 그는 수세기 동안 존경받는 예술적 전통을 갖고 있는 일본의 예를 들었습니다. 그는 이러한 영감, 창의성, 근면의 전통이 일본을 현대 기술 강국으로 만드는 데 도움이 되었다고 믿습니다. 잠비아 예술 현장에 대한 Lechwe 재단의 끊임없는 지원은 특히 그들이 자신의 갤러리를 짓기로 결정한 현재 인정을 확보하는 데 핵심이 될 수 있습니다.

말리

말리의 주요 민족은 밤바라(바마나라고도 함)와 도곤입니다. 더 작은 종족 그룹은 니제르 강의 마르카(Marka)와 보조(Bozo) 어부로 구성됩니다. 고대 청동 및 테라코타 조각상이 많이 발견된 젠(Djene) 및 팀북투(Timbuktu)와 같은 지역에서는 고대 문명이 번성했습니다.


Chiwara Bambara의 두 인형, c. 19 끝 – 시작 20세기 시카고 예술대학. 여성용(왼쪽) 및 남성용, 수직 버전

밤바라족(말리)

Bambara 사람들은 많은 예술적 전통을 받아들여 예술 작품을 만들기 시작했습니다. 돈이 예술 작품 창작의 주요 원동력이 되기 전에 그들은 자신의 능력을 영적인 자부심, 종교적 신념 및 관습의 전시를 위한 신성한 공예로만 사용했습니다. 예술 작품의 예로는 Banama n'tomo 가면이 있습니다. 다른 조각상은 사냥꾼과 농부와 같은 사람들을 위해 만들어졌기 때문에 다른 사람들이 긴 농사 시즌이나 집단 사냥 후에 제물을 남길 수 있었습니다. Bambara 문체 변형에는 조각품, 가면 및 머리 장식이 포함됩니다. 양식화된 또는 사실적인 특징이나 풍화되거나 화석화된 녹청을 묘사하는 이러한 물체의 기능은 최근까지 수수께끼에 싸여 있었지만 지난 20년 동안의 연구에 따르면 특정 유형의 인물 및 머리 장식은 형성된 다양한 사회와 연관되어 있는 것으로 나타났습니다. 1970년대 밤바라 생활의 구조 x 소위 "쇼구(Shogu)" 스타일에 속하는 약 20개의 TjiWara 인물, 가면 및 머리 장식 그룹은 전형적인 평평한 얼굴, 화살표 모양의 코, 몸 전체에 삼각형 흉터가 있는 것으로 확인되었습니다. 팔을 벌렸다.

말리의 가면

밤바라 마스크에는 세 가지 주요 유형과 하나의 부 유형이 있습니다. N'tomo 사회에서 사용하는 첫 번째 유형은 얼굴에 전형적인 빗 모양 디자인이 있으며 춤을 추는 동안 착용하고 카우리 껍질로 덮을 수 있습니다. Como 사회와 관련된 두 번째 유형의 마스크는 구형입니다. 머리 꼭대기에 두 개의 영양 뿔이 있고 크고 납작한 입은 춤을 추는 동안 사용되지만 일부는 신주를 붓는 다른 의식 중에 획득한 두껍고 골화된 코팅을 가지고 있습니다.


Afroart 갤러리에서 판매되는 가나가 마스크

세 번째 유형은 나마사회와 관련이 있으며 새의 머리 모양을 새겼고, 네 번째 유형인 소유형은 동물의 머리를 양식화한 고려사회에서 사용하였다. 다른 밤바라 가면도 존재하는 것으로 알려져 있는데, 위에서 설명한 것과는 달리 특정 사회나 의식과 연관될 수 없다. Bambara 조각가들은 TJI-Vara 사회의 구성원들이 착용하는 동물 모양의 머리 장식으로 유명합니다. 서로 다르지만 모두 태양의 동서 방향을 나타내는 지그재그 패턴과 두 개의 큰 뿔이 달린 머리를 포함하여 매우 추상적인 몸체를 보여줍니다. Tji-Wara 사회의 Bambara는 작물 수확량을 늘리기 위해 파종하는 동안 밭에서 춤을 추면서 머리 장식을 착용합니다.

말리의 인형

밤바라 인형은 관족 사회의 연례 행사에서 주로 사용됩니다. 이 의식이 진행되는 동안 키가 80~130cm에 이르는 최대 7명의 인물 그룹이 공동체의 고위 구성원에 의해 성소 밖으로 운반됩니다. 조각품을 씻고 다시 기름을 바르고 제단에 제물을 바칩니다. 이들 그림 중 일부는 14세기에서 16세기 사이에 제작되었으며 대개 부적으로 장식된 전형적인 빗질한 헤어스타일을 묘사합니다.
이 인물 중 두 인물은 매우 중요하게 여겨졌습니다. 서양에서 "밤바라의 여왕"으로 알려진 관두수(Guandousou)라고 불리는 임신한 앉거나 서 있는 인물과 일반적으로 칼을 들고 있는 것으로 묘사되는 관티귀(Guantigui)라는 남성 인물입니다. 두 인물의 주변에는 관녀니 인물들이 함께 서거나 앉아 다양한 자세로 그릇이나 악기, 가슴을 들고 있다. 1970년대에는 이 조각품을 기반으로 한 바마코의 수많은 가짜 제품이 시장에 출시되었습니다.

Dyonyeni라고 불리는 다른 Bambara 인물은 남부 Dyo 사회 또는 Kwore 사회와 관련이 있는 것으로 생각됩니다. 이러한 여성 또는 자웅동체 인물은 일반적으로 다음과 같은 기하학적 특징을 가지고 있습니다.